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オーケストレーション入門 まずは楽器のことを知ろう!【弦楽器編】

 

ブログを読みに来てくださり、ありがとうございます。

アフターファイブ作曲家のしんさんわーくす(@shinsanworks)です。

 

最近、オーケストレーションの勉強を始めました。

せっかくオーケストレーションについて学ぶのだから、

覚えた知識をブログに書いて備忘録にしてしまおう!

 

ということから、この記事を書き始めました。

 

オーケストレーションの基本は、

まずオーケストラで使われる楽器について知ることから

始まります。

 

今回は、オーケストラの主役ともいえる

ストリングス(弦楽器)についてまとめてみます。

 

オーケストラにおける弦楽器とは?

弦楽器はその名のとおり、

弦が張ってある楽器群ですね。

 

オーケストラでは、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、

コントラバスが弦楽器という一つのまとまりになります。

 

それぞれの楽器について詳しくみてみましょう。

 

ヴァイオリン

 

いわずとも、誰もが知っているであろう楽器ですね。

オーケストラでは、弦楽器が曲の土台となりますが、

ストリングス隊の中でもヴァイオリンは花形。

主役中の主役といえる楽器でしょう。

 

主旋律や和音のトップノートを担当することが多いです。

 

オーケストラにおいては、第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリンに

分かれて編曲されます。

 

弦楽器以外だと、フルートと相性がいいようです。

 

ヴィオラ

 

ヴァイオリンより一回り大きな楽器です。

よくヴァイオリンと間違われます。

 

ヴァイオリンやチェロと比べて

独奏で用いられることは少ないようです。

 

その代わり、他の楽器との相性がよく

和音の内声を担当することが多いといいます。

 

チェロ

宮沢賢治の『セロ弾きのゴーシュ』という作品がありますが、

その「セロ」が「チェロ」です。

「cello」と書きます。

 

スコアでは、「violoncello」と書かれているようです。

基本的にコントラバスとのユニゾンで、

楽曲のベースを担当することが多いです。

 

人の声に近い音色の楽器と言われており、

メロディを担当することも多いといいます。

 

コントラバス

楽曲のベース、低音を担当する楽器です。

 

クラシック以外でもジャズで使用されることの多い楽器です。

ジャズでは、「ウッドベース」という名前で呼ばれ、

弓を使わず、指で弾かれます。

 

ここまで紹介してきた、ヴァイオリンやヴィオラ、

チェロといった楽器とは生い立ちが異なるようです。

ヴァイオリンやヴィオラは、5度調弦なのに対して、

コントラバスは4度調弦(E,A,D,G)となっています。

エレキベースとチューニングが一緒なので、

覚えやすいですね。

上げ弓、下げ弓

弦楽器は、弓を使って弦をこすることで

演奏されます。

弓がどれを指すのかは想像しやすいと思いますが、

一応、例を挙げてみます。

 

 

動画で使われている楽器は、ヴァイオリンですね。

丁度、執筆の休憩時間にヴァイオリンの演奏を聴いていたので、

ご紹介してみました。

 

ヴァイオリンがカッコいいですねぇ~

 

さて、動画を見てお分かりのように

弓の動きには2種類あります。

 

上にあがっていく「上げ弓」

下向きにひっぱるような動きの「下げ弓」

です。

 

弦楽器奏者は、この2種類の動きを組み合わせて楽器を弾きます。

 

なので、生演奏用に編曲する際や打ち込みにリアリティを出したい時は、

この弓の動きを頭に入れなければいけません。

 

弦楽器の奏法

ストリングス音源を開くと

「レガート」や「スタッカート」など様々な奏法が

用意されています。

 

打ち込みで「その楽器っぽさ」を出すためには、

これらの奏法を上手く取り入れてやる必要があるのですね。

スタッカート

音を短く切る奏法です。

歌なんかでも

「スタッカートぎみに歌ってください」

とか言われますよね。

その他に、弦を跳ねるように演奏する

スピッカートという奏法もあります。

デタシェ

フランス語で「分割」という意味のようです。

弦から弓を離さず、一音一音ハッキリと

弾く奏法です。

スル・ポンティチェロとスル・タスト

スル・ポンティチェロは、弓を駒の近くで弾く奏法です。

駒はブリッジとも呼ばれ、弦を所定の位置で支える

台のような役割をもっています。

 

それに対して、スル・タストは指板の近くで

弾く奏法です。

ピチカート

弓ではなく、指で弦をはじく奏法です。

トリルとトレモロ

トリルは短2度(m2)や長2度(M2)隣の音同士を

交互に弾く奏法です。

トレモロは、弓を細かく動かし、同じ音を連続して

弾く奏法です。

ストリングスには、ハーモニクスやダブルストップなど

まだまだたくさんの奏法があります。

 

最初から全部覚えようとすると

パンクしてしまうので、まずは今回ご紹介した奏法から

勉強していけばよいのではないでしょうか。

 

長くなってきたので、

このあたりでいったん区切りたいと思います。

楽譜を書こう!曲の長さを簡単に計算できます

 

ブログを読みに来てくださり、ありがとうございます。
しんさんわーくす(@shinsanworks)です。

みなさんは、曲を作る際に尺を意識して作っていますか?

曲のアイディアを思いついたら、とりあえず作り始めてみて、
何となくほどよい長さになったら筆をおく。

といった曲作りをしている人も多いと思います。

ぼくも曲の長さに関してはあまり意識してきませんでした。

しかし、オーディオストックで曲を販売するようになってからは、
少しずつ曲の尺というのも考えて作らなきゃいけないよなー

とボンヤリと思うようになったんですね。

曲の長さで購入のされやすさが変わる

というのも、オーディオストックでは購入者の多くは
曲を動画のBGMとして使用することが多い。

4分程度の曲を購入し、お好みのポイントを切り取って使う
傾向にある。

という情報を目にしたことがあるからです。

それと自分がもしオーディオストックで曲を買おうと
思ったとき、同じお金を出すなら極端に短い曲より、
そこそこの長さがある曲を選ぶと思います。

曲の長さを計算しよう!

作曲をする際、ある程度曲の長さのことも
頭に入れておこう!

というお話でした。

では、どのようにして曲の長さを調べたらよいのでしょうか。

トラックを書きだしてしまえば、
ファイル情報から曲の再生時間は調べられます。

DAWで曲を再生させながら、ストップウォッチで
曲の長さを計るという方法もありますね。

ですが、もっと早い段階。
実際に編曲に入る前の段階で曲の長さを知りたい!
という人も多いと思います。

そんな時は、下の計算式で時間を求めることができます。

時間(秒)=60÷テンポ×拍子×小節数

例えば、4分の4拍子でBPM=100、小節数が25小節のデモ曲を
考えてみましょう。

時間は、

60÷100×4×25=60(秒)

になります。

いちいち計算をするのが面倒くさいという人は、
時間を計算してくれるサイトがあるので
そちらを探してみればよいでしょう。

ただ、計算の仕方自体は覚えておいて損はないと
思います。

小節数を調べるためにも楽譜を書こう!

テンポや拍子は、曲を作り始める際に決めるので
すぐに分かりますが、小節数はどのようにして調べたら
よいでしょうか。

1つはDAWで調べる方法ですね。

ほとんどのDAWでは小節数も見られるように
なっていると思います。

しかし、手元にDAWを開けるPCやタブレットがない時、
あるいは打ち込むのが面倒な時は、
どうすればよいのでしょうか。

おすすめしたいのが楽譜です。

楽譜であれば、すぐに取り出して小節数を調べることができます。
小節を数えるのもそんなに大変でもないでしょう。

別に壮大なオーケストラの譜面が書けるようになる
必要はないのです。

簡単なメロディ譜さえかければ、あとは曲のテンポとコードメモする。

小節数から曲の長さを調べることができる。

楽譜が書けるようになると、多くの曲の情報を五線紙に書き残すことが
できます。

例えば、ふとメロディが思いついた時、
ボイスメモをとる人は多いと思います。

それもいいのですが、コードを残すことができない。

その時頭でなっていたコードを残すことができないのですね。

楽譜であれば、コードだけでなく
キーやテンポの情報も一枚の紙にまとめることができるのですね。

必要なのは、紙とペン。

あとぼくは絶対音感がないので、音を確かめる鍵盤が必要です。
それもスマホのアプリを使えば荷物を最小に抑えることが
できます。

作曲において、閃きはとても重要です。
アイディアを漏らさないためにも、
楽譜を書くスキルがあると便利です。

まとめ

最後の方は、楽譜を書くことのメリットの話になってしまいましたねw

作曲をしていると、曲の時間を細かく決めて作る
ということもあるかと思います。

そんな時は、小節数やテンポ、拍子などの情報から時間を調整して
いくとよいでしょう。

そして、計算をする際は楽譜などがあると便利になります。

というお話でしたー。

作曲初心者の為のやさしい音楽理論【コードとスケール2】

 

ブログを読みに来ていただき、ありがとうございます!

しんさんわーくす(@shinsanworks)です。

 

今回は、前回の音楽理論・コード&スケールの続きを書いていきたいと思います。

今回の内容は正直ちょっと難しいです。

 

なので、一回読んで理解できなくても問題ないです。

「こういう考え方をするんだなあ」

とざっくり読み取ってもらえれば、十分です。

 

さて、前回は、CメジャースケールとCメジャーキーにおけるダイアトニック・コードを学習しました。

「なんのこっちゃ?」という人は、前回の記事を読んでみてください。

 

僕が学んだ音楽理論では、コードとスケールの関係性をとても大切にしているんですね。

曲中で出てくるコードには、それぞれ対応するスケールがある。自動的にスケールが決まってしまう場合もあれば、自分でスケールを選択しなければいけない時もある。

という考え方をとっていました。

 

例えば、CメジャーキーにおけるⅣのコード(F△7)に対応するスケールは何か。

というようにコードとスケールの関係を考えます。

 

このようにコードとスケールの関係を考えて作曲をしているという人は、少ないのではないでしょうか?

 

もちろん、スケールが分かっていなくても、なんとなくで曲を書ける時もあります。

ぶっちゃけ、作曲を始めたばかりで簡単な曲を作ることが多い。

という人にとっては意識する必要のないことだと思います。

 

ですが、より発展的な曲作り、複雑なコードワークを行おうと思った場合、コードとスケールの関係が分かっていた方が有効になります。

 

逆に言うと、その辺りの知識がないとチグハグな曲になってしまうことが多いです。

曲のクオリティを保つという意味でも、コードとスケールの関係性を考えることは大切です。

 

 

さて、では実際にスケールを学んでいくことになりますが、一気に全部のスケールを覚えようとするのはちょっと無理があります。

 

そこそこスケールも数があるので、1回ではとても覚えきれません。

なので今回は、シンプルだけれど非常に重要なスケールをご紹介します。

 

音楽理論を少し勉強したことがある人なら、「モード」という言葉を一度は耳にしたことがあるのではないでしょうか?

この記事では、そんなモードを見ていきます。

 

アイオニアン・スケール

 

音源も用意しました。

コードを一緒に鳴らしているバージョン

スケールだけのバージョン

 

スケールの並び自体は、Cメジャー・スケール(ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ)

と一緒ですね。

 

ただし、アイオニアン・スケールとCメジャー・スケールは別のモノと考えてください。

 

アイオニアン・スケールは、Cメジャースケールの「ド」の音を最初に持ってきたスケールで、

対応するコードがC△7になります。

 

※今回紹介するスケールですが、「全音・半音」、「対応コード」、「テンション・アボイドノート」、「インターバル」をそれぞれ覚えて行く事になります。

 

全音・半音関係

 

これは、Cメジャースケールを紹介した時も確認しましたね。

 

「全・全・半・全・全・全・半

 

です。

 

インターバル

 

インターバルは、音と音が何度離れているのか。ということです。

それぞれのスケールの一番目の音を基準に考えていきます。

 

アイオニアン・スケールでは、ドの音と「ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ」それぞれが

何度離れているのかを見ていきます。

 

答えは、

 

R・9(M2)・M3・11(P4)・P5・13(M6)・M7

 

ですね。

 

対応するコード

 

先ほども見ましたが、アイオニアン・スケールの対応コードは、

 

C△7

 

です。

 

テンション・アボイドノート

 

テンション・アボイドは、コードトーン以外の音です。

 

C△7のコードトーンは、

「R・M3・P5・M7」

です。

 

そのため、テンション・アボイドノートは、

9th、11th、13th

となります。

 

テンション・アボイドって使いまくってるけど、何なのよ。

って思った方も多いでしょう。

 

テンション・アボイドの説明は、ちゃんとすると長くなってしまいますし、少々小難しい感じになってしまいます。

 

なのでここでは簡単に、

テンションは、ハーモニーに緊張感や美しい響きを与える音。

アボイドノートは、不協和音、濁って聴こえる音。

というイメージを持ってください。

 

さて、C△7のテンション・アボイドですが、

どのようにして見分けるのでしょうか。

 

これは、実際に音を鳴らしてみれば、一発で分かります。

 

9th

 

11th

 

13th

 

いかがでしたでしょうか?

 

実際に聴いてみた音から、テンション・アボイドを判断してみます。

 

すると

 

テンション=9、13

 

アボイド=11

になりますね。

 

テンション・ノートである9thと13thは、

C△7コードを弾く際に、一緒に鳴らすことができます。

 

ただし、むやみやたらに鳴らせばいいかというと

そうわけではありません。

 

テンション・コードが美しく映えるジャンル・場面を見きわめることが大切です。

 

例えば、ディストーションを利かせたヘヴィーなギターサウンドが主体の曲で、テンションを使おうとするとかえって濁って聴こえてしまうことがあります。

 

どのような場面でどのようなテンションを選択するのか。

ここで、個性やセンスが生まれてくるのです。

 

まとめ

 

モードを全て紹介するつもりだったのですが、長くなってしまいました。

 

今回紹介したスケールは、アイオニアン・スケールですが、

モードにはその他に6つのスケールがあります。

 

今は名前だけ紹介しますね。

 

「ドリアン・スケール」

「フリジアン・スケール」

「リディアン・スケール」

「ミクソリディアン・スケール」

「エオリアン・スケール」

「ロクリアン・スケール」

です。

 

それぞれのスケールに対応するコード、全音・半音関係、テンション・アボイド、インターバルを覚えていくことになります

 

何だか覚えることが多くて大変そうですが、

音楽理論において非常に重要な部分なので、

頑張って覚えていきましょう!

 

また今回の記事の中で、「インターバル」や「テンション」、「モード」など

専門的な言葉が出てきてよく分からなかったという人もいるかもしれませんね。

 

それらの基礎的な知識も他の記事で、おいおい解説していきたいと思いますので、

今回分からなかったという方も落ち込まないでください。

 

音楽理論は、一つ一つの知識を積み上げて理解していきます。

なので、少しずつ確実にステップアップしていくことこそが、理論習得の近道となります。

 

これから、一緒に頑張っていきましょう!

作曲初心者の為のやさしいポピュラー音楽理論【コードとスケール編】

 

ブログを読んでいただき、ありがとうございます。

しんさんわーくす(@shinsanworks)です。

 

今回の記事では、ポピュラー音楽理論において

非常に重要なコードとスケールの項目に触れていきたいと思います。

 

コードとスケールって実は密接な関係にあるんですよね。

 

今回は、シンプルに考えるために、

Cメジャー・スケールを用いて説明します。

 

Cメジャー・スケール

 

まずは、Cメジャー・スケールを考えていきましょう。

みなさん分かりますか?

 

「ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ」

 

はい。お馴染みの音階ですね。

英語だと、

 

「C・D・E・F・G・A・B」

 

当たり前じゃないかと思った方も多いでしょう(笑)

 

では、メジャー・スケールの半音・全音関係は分かりますか?

 

全・全・半・全・全・全・半

 

ですね。

 

僕が習ったポピュラー音楽理論においては、

スケールを考える際に全音・半音の関係を重要視しています。

 

なので、スケールを全音・半音で考えるのが苦手という人は、

頑張って慣れていってください。

 

Cメジャースケールにおけるダイヤトニック7thコード

 

前の項で、Cメジャー・スケールが分かりました。

今度は、Cメジャー・スケールから作られるダイアトニック7thコードを考えていきましょう。

 

その前にダイアトニック・コードって何?って思われた方もいるかもしれませんね。

 

ダイアトニック・コードとは?

 

ダイアトニック・コード【diatonic chord】

ダイアトニック・スケール上に成り立つ7通りのコードを指す。ダイアトニック・コードは3音構成によるもの(トライアド)と4音構成によるものとに分けられる。

Guitar magazine『ダイアトニック・コードとは?/初心者集まれ!指板図くんのギター・コード講座 第26回』より

この説明だけで、

 

「なるほど!」

 

と納得する人はおそらく初めからこの記事を見ていないでしょう(笑)

 

そもそも、ダイアトニック・スケールってなんだよ!?

って話ですよね。

 

ダイアトニック・スケールは、

以下の条件を満たしたスケールが当てはまります。

 

  • 半音が連続しない
  • 2つの半音、5つの全音からなる

 

この2つの条件を満たしたスケールが

ダイアトニック・スケールとなります。

 

さっそく、全音・半音が出てきましたね(笑)

 

Cメジャー・スケールもダイアトニック・スケール

 

ダイアトニック・スケール条件を満たしたスケールは、

全部で14個できます。

 

そのうちの一つが先ほど見た、いわゆる

 

「ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ」

 

のスケールなのですね。

もう一度全音・半音で見てみると

 

全・全・半・全・全・全・半

 

です。

 

上のダイアトニック・スケール条件と照らし合わせてみてください。

ちゃんと条件を満たしていますね。

 

ということで、Cメジャー・スケールもダイアトニック・スケールの一つなのです。

 

Cメジャー・スケールにおけるダイアトニック・7thコード

 

さて、ではCメジャースケールにおけるダイアトニック・7thコードを考えてみましょう。

 

「ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ」

「C・D・E・F・G・A・B」

 

それぞれの音をルート(根音)として、

3度堆積で4和音を作ってみましょう。

 

ここでは簡単に

3度堆積は、3度ずつ音を積み上げること。

4和音は、7thコードのことだと考えてください。

 

そうすると、

 

C△7・Dm7・Em7・F△7・G7・Am7・BΦ7

 

という7つのコードができます。

 

この7つの和音は、ポピュラー音楽において

非常によく出てきます。

 

もし、今回のポピュラー音楽理論の解説を読んでよく分からなかったとしても、

このコードだけは覚えておきましょう。

 

ピンっと来なかったら丸暗記した方が早いです。

 

まとめ

 

簡単にまとめるつもりが、長くなってしまったので

いったん締めます。

 

今回出てきたダイアトニック・7thコードを見て、

 

「△7、7、m7、Φ7」

 

のように色々種類があるのは、なぜだろう?

と疑問に思った方も多いでしょう。

 

それについては、また別の機会に記事に書きます。

 

さて、ダイアトニック・7thコードですが、

それぞれのコードとそれに対応するスケールの関係が

非常に重要になってきます。

 

次回は、その辺りの説明をしていきます。

音楽理論は勉強しなくてもいい!?

どうも、しんさんわーくすです。

音楽をやっていると必ずぶつかる壁があります。それが、音楽理論を勉強するべきか、どうかという問題です。

音楽理論なんて勉強しなくても、曲は作ることができる。

変に理論武装してしまうと、曲がつまらないものになってしまうのではないのか。

など、音楽理論を否定する意見は様々あると思います。

 

まず、音楽理論が音楽をやっていく上で必要なのか。僕なりの意見を述べていく前に、僕がいう音楽理論の位置づけを明らかにしておきましょう。

音楽理論と言っても、大きく2種類に分けられると思います。

1つは、ガチガチのクラシックの音楽理論。もう一つは、それ以外の商業音楽・ポピュラーミュージックの理論です。

かなり大雑把な分け方ですね。両者を混ぜて考えるとややこしくなるので、自分がどういう音楽を作りたいか、そこから考えていく必要があります。

僕の場合は、商業音楽、ポピュラー音楽を作っていきたいので、ここで言う音楽理論は、ポピュラーミュージックのことを指しています。

さて、ポピュラー音楽の理論を学ぶ必要があるのか。

 

結論を言うと、どちらかと言うと必要ない。(かなあ。)

かなり歯切れの悪い結論ですね(笑)。

言い訳がましいですが、音楽理論が必要かどうかは、人によりけりだと思うんですよね。

趣味で、好きに音楽を作りたい。

理論を学ぶのは大変そうだし、面倒くさいけれど、とりあえず曲を作ってみたい。

このように、自由奔放に音楽を作りたいという人にまで、音楽理論を勉強するように強制するのは、やはり違うと思います。

 

ある程度、曲を作っていった上で、更にステップアップしたい。

もっと自由自在に曲のイメージを形にしたい

といった場合には、音楽理論を勉強してみるのもいいと思います。

 

つまり、勉強したきゃすれば良いし、イヤイヤやっても仕様がないということですね。

悩む前に、曲を作ってみる。必要だと感じたら、音楽理論を勉強する。場当たり的ではありますが、いつまでも一歩踏み出せないでいるよりは遥かに良いと思います。

 

「とりあえずやってみる」

音楽に限らず、成功するためには必要な心構えなのではないでしょうか。